Con motivo del bicentenario que este 2019 cumple el Museo Nacional del Prado, Nagare art projects rinde un homenaje en forma de exposición colectiva a los pies de la Gran Vía madrileña en Hotel Emperador y su espacio para las artes visuales, LOBBY ART GALLERY.

PRADO 200

Del 1 de octubre al 17 de noviembre, 21 artistas y 21 obras participan en esta exposición, un escaparate de la creatividad artística visual contemporánea. Toda la información de la exposición aquí: http://www.nagare-art.com/eventos/prado-200/

Estos son los artistas participantes:

Marcos Álvarez

La obra y persona de Marcos Álvarez (@alvarez_van_turbo) están continuamente condicionadas por circunstancias, estados mentales, ubicación y materiales. Una pintura que está “en constante movimiento, como el de las células, movimiento como el de los locos acontecimientos que suceden todos los días…”.

Aunque en sus orígenes Marcos Álvarez se dejó inundar por el graffitti y el Suprematismo, actualmente se encuentra inmerso en una figuración inspirada por los clásicos como El Greco o Velázquez. “En sus lienzos encontramos personajes históricos anónimos, vagabundos y dementes cómo cánones de belleza, naturalezas retorcidas, la búsqueda del humanismo a través de la verdad y transformaciones de la vulgaridad en divinidad”.

Marcos Álvarez, Made in Spain

La dignidad del bufón degenerada desde tiempos de antiguos reyes, hasta la mediocridad de personajes actuales que infectan con el virus de la indiferencia a la clase trabajadora.

Marcos Álvarez

Alma Arcenillas

Alma Arcenillas ha sido toda una sorpresa en la convocatoria, una artista por descubrir en esta exposición, y aseguramos que su pintura de gran formato no dejará indiferente a nadie…

Alma Arcenillas, La deriva de la incertidumbre

En la deriva de la incertidumbre fluctuamos en el espacio discursivo el mismo de las emociones y la acción, en un contexto de explotación, violencia y exigencias, carente de empatía y afectividad. Las personas se convierten en la fuente de su propio sometimiento cuya confrontación nos conduce a un estado involuntario de inacción. Un desequilibrio donde la ansiedad, la soledad y la exhibición nos zambullen en una maraña de generalidades en busca de nosotros mismos y de vínculos reales con los otros.
Desorientados buscan su espacio en un mar de símbolos materiales, de códigos amorales, donde la existencia es un artificio. Un enredo que envuelve la realidad de nuestros cuerpos sujetos para cubrir las cicatrices.

Alma Arcenillas

Lucía Ares

Lucía Ares, asturiana de nacimiento pero madrileña hasta la médula, fue finalista en 2013 del Premio BMW de pintura, ha expuesto por toda Europa, y se mueve a caballo entre el mundo de la pintura, el dibujo y la publicidad.

Lucía Ares, Jose Luis Sampedro escribiendo

En mi pintura, el proceso es lo más importante. Por encima incluso del resultado final. Mientras la obra física resuelta es algo fijo y estable, el proceso se mantiene en permanente estado evolutivo, manteniendo la obra viva. Mi pintura habla de cómo los accidentes, los hechos espontáneos, lo incierto se conforman como parte del proceso y de la obra definitiva, como ocurre en la propia vida.

Lucía Ares

Carlos Blanco Artero

Nacido en 1983 en Madrid, la carrera de Carlos Blanco Artero es meteórica, y su pintura no deja de evolucionar. Ha expuesto en museos, galerías e instituciones en Nueva York, Los Ángeles, Miami, Hong Kong, París, Zaragoza, Barcelona o Madrid, y sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas en Nueva York, Japón, Singapur, México, Los Ángeles, Miami, Austria, Madrid, Bilbao, Mallorca, Santander, Australia, Libia, París y Londres.

Centrado en representar y expresar su idea de multitud, en esta ocasión compartirá una versión del retrato colectivo más famoso de la historia de la pintura universal: Las Meninas de Velázquez.

Carlos Blanco Artero, Meninas

Daniel Esteban

“Siempre he sido un enamorado de la pintura clásica y del retrato, con la aspiración de ir un paso más allá en la búsqueda de contemporaneizarlo. En esa búsqueda de hacer una interpretación conceptual de la obra, suelo dejar a un lado las particularidades fisionómicas del retratado.
A esta libre interpretación formal casi siempre va unido un detalle paradójico, extra-temporal, esa anomalía perceptiva o guiño, que nunca es casual y que trata de comunicar con el espectador para que revise y actualice el propio concepto que tenía de dicha obra o personaje, que habitaba en su subconsciente.”

Daniel Esteban expuso en LOBBY ART GALLERY de Hotel Emperador en noviembre de 2017.

Daniel Esteban, You´ve got a friend in me

Con You´ve got a friend in me he querido llamar la atención sobre la utilización que se hacía de determinados personajes, discapacitados o deficientes, en las cortes reales, desnaturalizándolos para convertirlos en meros objetos de entretenimiento… objetos con sus propios sentimientos y dignidad.

Daniel Esteban

Alberto David Fernández Hurtado

Huye de convencionalismos y modas. Se centra incansablemente en su proyecto, consistente en ahondar en la condición del ser humano a través de todo lo que le rodea. Aunque el dibujo es imprescindible como procedimiento, la pintura supone para él un rico universo de indagación que le aproxima a la gente de manera sencilla y hace pensar al espectador.

Alberto David Fernández Hurtado expuso en LOBBY ART GALLERY en el verano de 2018.

Alberto David Fernández Hurtado, Vieja friendo huevos

Practico un arte basado en el estudio minucioso de los individuos y su comportamiento vital.

Alberto David Fernández Hurtado

Lidia Guerrero

Lily, alias de Lidia Guerrero (1994) es una artista plástica procedente de Alicante, Es­paña. En 2017 se gradúa en Bellas artes y comienza a viajar por diferentes partes del mundo, siendo ganadora de múltiples becas y residente en proyectos de renombre como Arquetopia Foundation and Internatio­nal Artist Residency (Puebla, México) o Elsewhere Studios Paonia (Colorado, Estados Unidos).

Su obra actual trabaja sobre la leyenda, el mito y la expresión en la cultura española, tratando de llamar la atención sobre lo dañinos que pueden resultar para los grupos minoritarios algunos factores que residen en la tradición y como dificultan la formación de una sociedad igualitaria y diversa.

Lidia Guerrero, La Inmaculada Concepción

Considero que nos encontramos en un momento clave. El mundo avan­za a pasos tímidos y dubitativos. Estamos entrando en contacto con nuevos conceptos y construyendo una sociedad más rica en diferen­cias, sabiendo de sobra que hay espacio para todas ellas. Estamos de­rrumbando muros y dejando de considerar necesarias tradiciones que solo prevalecen por su antigüedad. Comenzamos a ser conscientes de nuestro presente, situación y, sobre todo, de lo que debe cambiar para acercamos a una sociedad igualitaria.

Lidia Guerrero

Jair Leal

Nace y estudia en México, hasta que en 2001 consigue la beca para formarse junto a Antonio López, y aprovecha para instalarse definitivamente en Madrid.

Con su pintura figurativa y visceral ha ido sumando adeptos a su lenguaje artístico, al tiempo que desarrolla también otras disciplinas como el arte urbano (Pinta Malasaña), el tatuaje (Mano Zurda), la dirección de arte para cine (En las estrellas) o la poesía.

Usa su maestría técnica realista para expresar temáticas contemporáneas, huye lo más rápido que puede de etiquetas superficiales, y considera sabiamente que las redes sociales están sobrevaloradas…

Jair Leal, I love academy

Con esta reproducción de un dibujo de Gandolfi que hay en el Prado, hago un doble homenaje. Primero hago un homenaje a la academia, al increíble y sublime dibujo académico que tanto me inspira. Y también hago un homenaje a mis maestros, a todos los que amablemente me formaron como artista y que me enseñaron tanto.
Así pues, he querido traer esta maravillosa obra de Gandolfi al Madrid gamberro del siglo XXI y presentar una intervención desenfadada, pero no naïf, con apuntes y recursos gráficos que enriquecen la composición y con la desfachatez del taggeo como marbete de nuestra sociedad que cojea.
I love academy abraza la devoción por la academia y da permiso a la expresión más gamberra del Street Art.

Jair Leal

Pilar López Baez

Pilar López Baez expuso en LOBBY ART GALLERY en el verano de 2018.

Pilar López Baez, Las Gracias

Mi trabajo pictórico reflexiona acerca de la memoria y de la dificultad de recordar. Por ello mi realismo se aleja de lo fotográfico y se adentra en lo subjetivo. Del mismo modo que los recuerdos a veces se nos muestran esquivos, las protagonistas de mis cuadros no aparecen completamente construidos, parecen a punto de terminar de materializarse o empezando a desaparecer.

Pilar López Baez

Daniel Luengo

“Creo que la única manera de obtener la inspiración es sentir cariño por lo que estás haciendo, porque cuando quieres algo o a alguien no prestas atención a lo malo, y al no darle importancia abres la puerta de LAS IDEAS en mayúsculas.”

Daniel Luengo es un pintor y artista urbano que recurre a lo onírico en sus pinturas metafísicas y coloridas, y está marcado por su paso por el taller de Okuda, Misterpiro y compañía.

Daniel Luengo, Caballo

Los caballos son un tema recurrente en mi imaginario y he visitado el Museo del Prado en numerosas ocasiones para contemplar los retratos ecuestres de condes y reyes que constituían un recurso pictórico importante del pasado. Entre ellos La reina Isabel de Borbón de Velázquez o Carlos I a caballo de Van Dyck.

Daniel Luengo

Laura Manuela

Laura Manuela representa la nueva oleada de jóvenes artistas que caminan con un pie en la moda y el otro en las artes visuales, desdibujando los géneros. Ganadora de la XXXIII edición de los Premios Nacionales a la Moda para Jóvenes Diseñadores, su trabajo tanto con la cámara con los tejidos está muy ligado a las raíces locales de su Extremadura natal.

La obra que presenta en Prado 200 es una reinterpretación moderna de un tema que abunda en los salones de los museos de todo Occidente: el bodegón. Además de contemporaneizarlo, su obra tiene notas de reivindicación feminista y medioambiental.

Laura Manuela, Selfie en plástico

Mi obra está inspirada en los cuadros de Clara Peeters, una de las pocas mujeres pintoras europeas de la Edad Moderna y primera mujer pintora en tener una exposición dedicada a su obra en el Museo del Prado.

Como dato curioso, Peeters utilizaba los reflejos de las copas y otros objetos para realizar autorretratos que reafirmaban su condición de mujer pintora. Este tipo de detalles son los que me hacen pensar que si no hubiera hecho esto, la firma que ahora tendría su obra probablemente sería «anónimo».

Dentro de este tipo de bodegones se encontraban objetos y alimentos de lujo, muchos de estos alimentos en nuestros días al alcance de cualquier mesa. La gran diferencia del siglo en el que vivimos y que he querido hacer el tema principal de esta obra, es el plástico. Ahora prácticamente todo está envuelto en plástico y muchos de nuestros objetos cotidianos son de este material.

Un ejemplo curioso son los cubiertos, ha sido costumbre hasta hace aproximadamente un siglo (por lo menos en Europa), llevarse tus propios cubiertos a las comidas, de ahí los cubiertos con los nombres grabados. Y actualmente si tenemos un encuentro con amigos o familiares los solemos utilizar de plástico y a veces más de uno por pérdida del mismo.
Como chica de buenas costumbres, ni decir queda que ojalá más cubiertos grabados, más botellas de cristal y todos los alimentos sin plástico. Dicho esto, os invito a la exposición y… a ver si me encontráis dentro del bodegón.

Laura Manuela

Elena Martí – Zaro

Elena Martí – Zaro expuso en LOBBY ART GALLERY de Hotel Emperador en enero de 2019.

Elena Martí – Zaro, Al final de la escalera

Puesto que soy pintora, es fundamental la influencia de los maestros del Prado en mi trabajo; en este museo se encuentran las claves de la pintura. He crecido y me he formado con ellos: Velázquez, Goya, Ribera, Tiziano, etc. Y aún sigo bebiendo de sus fuentes.

En el Prado descubrí la pintura barroca, el claroscuro, la perspectiva, la luz, el volumen, que tanto me fascina y que es el fundamento de mi trabajo. Y he seguido subiendo escalones, esperando al final de la escalera encontrar que mi sensibilidad sea comprendida, que es el propósito de todo artista.

Elena Martí – Zaro

Jimmy Millán

Telva, Vogue, Vanidad Magazine, El País Tentaciones, Cinemanía… Bvlgari, Leandro Cano, Moisés Nieto, Live Heros, De Barro y Plata… son solo algunas de las publicaciones y marcas con las que este artista ha colaborado. ¡Un honor tenerle en este homenaje!

Jimmy Millán, El Caballero de la mano en la boca

Mi técnica favorita es el collage con técnicas mixtas. Me da la oportunidad de mezclar todas las cosas que tengo en mi mente y luego hacerlas eternas. Como si mis pensamientos tuvieran forma, el papel y otros materiales mezclados con acrílico o pintura al óleo se hacen realidad en el lienzo y ese momento mágico finalmente expresa cosas que no puedo expresar en palabras.

Jimmy Millán

Gonzalo Núñez

Si hay algo que se aprecia al instante en la obra de Gonzalo Núñez, es la importancia del dibujo, cuyo origen parece encontrarse en la profesión del artista como arquitecto. Un dibujo que ha ido ganando en conocimiento, y que bien puede en algunas ocasiones recordarnos la búsqueda incesante y el retrato de los lugares de los viajeros de los siglos s.XVIII o XIX.

Pero que no nos engañen sus precisos trazos, hay mucho detrás y su obra tiene una gran capacidad de involucrar al espectador y hacerlo sentir partícipe de sus emociones. Hay en él una intención de facilitar claves para que los resortes emocionales que toda persona posee puedan aflorar y producir el placer de preguntarse las cosas.

Gonzalo Núñez, Discóbolo I

José Palacios

José Palacios es un artista moderno que ha sabido nutrirse del arte que mantiene sus cualidades estétitcas por encima de las modas. Sus coloridas composiciones conservan un trasfondo escénico clásico, con figuras y fuertes trazos conviviendo con dosis de abstracción y un efecto cuasi estroboscópico que da a sus pinturas un gran dinamismo.

José Palacios expuso en LOBBY ART GALLERY en septiembre de 2018.

José Palacios, Mujeres eléctricas

Mujeres eléctricas es un acto de cariño y admiración a la obra de Velazquez.

José Palacios

Susana Ragel

Susana Ragel nos invita a una mirada introspectiva e intimista de la fidelidad, el amor, la pasión, el silencio… Congela instantes en su pintura, ya sean reales o soñados, consiguiendo una conexión y un equilibrio entre el espectador, la obra y la artista.

Susana Ragel es una pintora de largo recorrido, una artista que demuestra confianza en su propia evolución fruto de un elaborado cruce entre técnica figurativa y emoción plástica.

Susana Ragel expuso en LOBBY ART GALLERY en el marzo de 2019.

El Tenebrismo es un movimiento que se caracteriza por su violento contraste luz – sombra, su contenido cromatismo, su intimidad. Normalmente la escena se ve iluminada por un foco de luz que entra en diagonal dibujando a los personajes. Zurbarán, Velázquez (al que
admiro profundamente) inundan las paredes del Prado dejándonos sin habla con sus claroscuros.

Pequeño misterio en rojo es una obra inspirada en las obras de este periodo artístico, principalmente por su luz y por el trabajo del color, realizado con veladuras. La temática intimista y profana, tiene una inspiración más contemporánea: Hopper, Andrew Wyeth… Dos figuras en un espacio cotidiano que no dialogan entre sí, una escondida en las sombras, la otra recostada al sol, con ropas de invierno, las dos callando un misterio, pequeño misterio en rojo.

Susana Ragel

Rodrigo Romero Pérez

Rodrigo Romero Pérez (Madrid, 1978), a través del lenguaje de la escultura figurativa, reflexiona sobre el juego como proceso de aprendizaje, los procesos de construcción y deconstrucción, las estructuras y la naturaleza. Para ello recurre a técnicas que van desde el modelado hasta la impresión 3D.

Sus esculturas se plantean como creaciones para el espacio público y la calle, al igual que el graffiti en el que muchas veces se inspira Rodrigo. Con sus obras ha participado en exposiciones por toda España y recientemente en Nueva York, al igual que en eventos como Tuenti Urban Art Project dentro de Urvanity.

Rodrigo Romero Pérez, María Barbola paseando al perro

María Barbola paseando al perro trata sobre los nuevos roles y modelos de autopercepción y como repercuten sobre la sociedad que se ve obligada a aceptarlos. En definitiva, el empoderamiento de la diferencia como agente de cambio social.

Rodrigo Romero Pérez

Carlitos Quiralte

El artista contemporáneo Carlitos Quiralte (Córdoba) comenzó su creación pictórica durante su adolescencia en el arte callejero, experiencia que luego trasladó a su estudio. Su arte está inspirado en la representación figurativa del arte ingenuo, el pop-art y el neo-expresionismo abstracto, además de una fuerte influencia de las pinturas murales y el arte callejero.

Su arte visualiza la representación arquetípica del ser humano. Sentimientos como la pasión, el miedo, la duda, así como la sumisión, la resistencia al poder y la violencia implicada en él. En sus pinturas hay referencias mucho más allá de las artes visuales.

Carlitos Quiralte, Retrato ecuestre del rey Felipe VI

Es un retrato real al puro estilo de la tradición de este género, de la cual podemos encontrar buena muestra en el Prado, con obras de Velázquez, Rubens o Luca Giordano. El retrato real de Felipe VI es una revisión actual del genero pasado por el filtro del arte naif y los colores planos del arte pop, utilizando materiales que van desde la pintura en spray al acrílico, pintura plástica y café.

Carlitos Quiralte

Aurora Rumí

Aurora Rumí (Almería, 1977), Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Se dedica de lleno a la pintura y realiza exposiciones fuera y dentro de España, destacando Madrid, Paris y Barcelona. En busca de un trazo más simplificado pasa de la pintura hiperrealista de sus series iniciales, y en la actualidad trabaja como ilustradora, combinamdo el lápiz con la paleta gráfica.

Su obra sintetiza la agilidad y rapidez del dibujo con acabados más madurados y pictóricos. Inspirada a partes iguales por el clasicismo y la modernidad, Aurora Rumí nos ofrecerá un paseo irreverente por obras clásicas reinterpretadas, personajes y escenas costumbristas contempladas de una forma diferente.

Aurora Rumí, Love crazy

El termino slumming da nombre a una practica que se puso de moda en Inglaterra en los años 80. Gente rica y acomodada, aburrida del lujo y movida por la curiosidad, realizaba visitas turísticas a los barrios obreros en busca de aventura , en bares y tabernas de los suburbios.

Mis personajes salen de sus carpetas faltos de identidad para viajar a escenas del pasado en busca de entretenimiento. Adolescentes de mirada melancólica, perros que conversan con sus amos, personajes de los que adivinar toda una vida o seres viscosos de silueta hipnótica.

El misterio y el surrealismo evocan un mundo atemporal, como en los sueños;  imágenes inconexas cobran sentido, aquí todo es posible. Slumming on Past presenta el umbral que invita a un irreverente paseo por las escenas costumbristas de otra época.

Aurora Rumí

Austión Tirado

Tan solo han pasado cuatro años desde que se sumergiera de lleno en el mundo de la escultura y viera en él una herramienta perfecta para exteriorizar sus sentimientos y experiencias vitales. Pese a ello, Austión Tirado ya se está haciendo un hueco y un nombre dentro de la escultura de este país, con obras en las que el hierro y la piedra le permiten expresar vivencias personales desde una posición de mero observador y ser consciente que se plantea más preguntas que respuestas.

Austión Tirado, Contemplación

En un museo como el Prado, un porcentaje alto de personas mira las obras, otro porcentaje algo más pequeño observa las obras, pero muy poquita gente se para y contempla adentrándose en ese mundo creado por el artista, llegando al punto de saber discernir entre realidad y fantasía, sabiendo por lo tanto quien es quien.

Austión Tirado

Pin Vega

“La naturaleza penetra en el arte a través de los materiales que lo hacen posible. Desde este enfoque, no me interesa tanto la “materia pictórica”, cuanto la materia en el sentido estricto de la palabra. El elemento en sí mismo. Es así como la materia se cuela en mi obra: por medio de la adición de pigmentos, en primer lugar, y de la sustracción de los mismos, en última instancia. Mis obras se generan siguiendo un proceso paralelo al de la naturaleza en la conformación de sus texturas y formas.”

Pin Vega expuso y realizó una performance de creación picto-escultórica en LOBBY ART GALLERY de Hotel Emperador en octubre de 2018.

Pin Vega, Narciso

Narciso, un joven de gran belleza, fue castigado por los dioses por haber rechazado a la ninfa Eco a morir de amor hacia sí mismo. Ovidio en el libro III de las Metamorfosis (370-510) cuenta: «(…) Y mientras bebe cautivado por el reflejo de la belleza que está viendo, ama una esperanza sin cuerpo; cree que es cuerpo lo que es agua. Se extasía ante sí mismo y sin moverse ni mudar el semblante permanece rígido como una estatua tallada en mármol de Paros. Apoyado en la tierra contempla sus ojos, estrellas gemelas, sus cabellos dignos de Baco y dignos de Apolo, sus mejillas lampiñas, su cuello de marfil, la gracia de su boca, el rubor mezclado con nívea blancura, y admira todo aquello que le hace admirable».

La obra muestra a un joven, prácticamente con las mismas características descritas por Ovidio, mirando su reflejo en el agua del cual se aprecia parte del mismo en la parte baja de la composición. Las variaciones de J. Cossiers con respecto al original de Rubens se basan fundamentalmente en la expresión del rostro, más dulcificada en el lienzo, y en el paisaje del fondo. En el caso del boceto de Rubens, conservado hoy en el Museo Boymans-van Beuningen de Rotterdam, el rostro enfurecido de Narciso parece reflejar el momento narrado por Ovidio en el que el joven ya no aguanta más el sufrimiento «(…)Y mientras así se lamenta, rasgó el vestido desde el borde superior, y se golpeó con sus marmóreas manos el pecho desnudo (…)». J. Cossiers, al cambiar el rostro de Narciso, parece mostrarnos el momento en el que ve por primera vez su reflejo y se enamora de sí mismo. S. Alpers, autora del único estudio completo del encargo de Rubens para la Torre de la Parada hasta la fecha, resalta el mayor tamaño de la figura con respecto al resto de la composición, al igual que hace en otras obras de pequeño formato para la serie.  

Pin Vega

CATÁLOGO COMPLETO DE LA EXPOSICIÓN

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